Lorsqu’il a pris en main pour la première fois un échantillon du matériau destiné à former l’abat-jour, Iwasaki a immédiatement compris que, déployé à plus grande échelle, ce matériau révélerait tout son potentiel et permettrait de créer un luminaire d’extérieur sans précédent.

La maille tissée — aussi ferme que souple — a constitué le point de départ de cette création. Dotée d’une légère élasticité, elle cède doucement au toucher avant de retrouver aisément sa forme initiale. Grâce à cette souplesse et à sa capacité à retrouver sa forme, le matériau se prête aussi bien à un usage intérieur qu’extérieur.

Les créations d’Iwasaki se distinguent par une esthétique intemporelle, fondée sur des lignes épurées et des proportions équilibrées. Closer est un nouvel exemple de cette approche : chaque abat-jour est réalisé artisanalement et tissé avec précision afin de garantir une trame uniforme et une forme simple, parfaitement définie.

Closer est une collection particulièrement innovante car l’abat-jour ne requiert aucune structure pour le maintenir. Son volume courbé autoporteur est le résultat d’un important travail d’expérimentation visant à atteindre une simplicité absolue et une légèreté visuelle maximale. La source de lumière est intégrée dans la partie supérieure de l’abat-jour, sans être visible ni interférer avec la pureté de la forme.

Dépourvu de structure interne, le tissu translucide façonne la présence du luminaire et filtre avec douceur la lumière pour créer une atmosphère subtile et vibrante. Les volumes textiles semblent flotter sous l’effet d’une lumière chaleureuse et tamisée, qui diffuse un délicat halo vers le bas.

Une fois éteinte, Closer apporte également une profondeur visuelle et une présence tridimensionnelle à l’espace. La collection se décline en trois formats d’abat-jour, en plusieurs tailles. L’élégante sélection de tons — terracotta, beige et vert — apporte de subtiles nuances à la lumière, tandis que le liseré noir qui souligne le pourtour de la base contribue à définir chaque volume.

La philosophie du travail d’Iwasaki associe simplicité, fonctionnalité et émotion. Il considère qu’un bon design doit être intuitif, améliorer l’expérience de l’utilisateur et s’intégrer facilement à la vie quotidienne. Grâce à sa polyvalence, Closer trouve sa place avec fluidité dans tous les types d’environnements, résidentiels comme contract, et accompagne les variations de lumière au fil de la journée.

Conçues pour prolonger à l’extérieur le confort de l’éclairage intérieur, les versions sur pied et à poser sont portables, sans fil, et rechargeables par induction sur une base spécialement conçue pour préserver la pureté formelle de l’objet. Grâce à leurs lignes délicates et à la diversité de leurs versions et finitions, les luminaires de la collection Closer s’intègrent naturellement aux terrasses, aux jardins et aux chambres, sublimant chaque moment.

La lumière accompagne le passage du temps, influe sur notre état d’esprit et façonne nos émotions. Fondée sur cette idée, Closer est plus qu’un luminaire, c’est une expérience : une présence qui apporte du confort et enrichit le quotidien. La collection instaure une atmosphère équilibrée et délicate dans de nombreux contextes, passant avec fluidité de l’intérieur à l’extérieur et s’adaptant aux différents moments de la journée.

Pourquoi lisons-nous ? Parce que la lecture élargit l’esprit, ouvre la porte à d’autres vies et, en même temps, nous permet de regarder la nôtre avec un regard renouvelé. Nous lisons pour nous reconnaître dans les autres, pour développer notre empathie et parce qu’un bon livre – comme un beau voyage ou un grand amour – ne nous laisse jamais tout à fait les mêmes. Nous lisons aussi parce que, dans un monde où tout va toujours plus vite, la lecture est une invitation à faire une pause, à se concentrer et à retrouver le plaisir d’un rituel apaisé.

En été, le temps ralentit et c’est le moment idéal pour se plonger dans de nouvelles histoires, de nouvelles idées et de nouvelles façons de voir le monde. Pour enrichir notre imaginaire de nouvelles références et retrouver ensuite le rythme du quotidien avec l’envie que ces histoires nourrissent de nouveaux projets et de nouvelles inspirations. Notre équipe sait déjà quels livres l’accompagneront durant les journées paisibles et les soirées tranquilles. On y trouve des essais sur le design, mais aussi sur la société et les modes de consommation, sur les façons de vivre, des romans où le paysage devient un personnage à part entière, ainsi que des recueils de nouvelles. Cette sélection rappelle combien il est essentiel de se nourrir de références variées, car on ne sait jamais laquelle fera naître l’étincelle de l’inspiration.

Nexum a été conçue comme une manière de relier différentes zones de notre environnement de vie. Levy redéfinit le concept du lustre à travers une logique architecturale. Plutôt que d’interpréter le luminaire comme un point central ou un objet décoratif, il l’articule au moyen d’une structure modulaire qui se déploie horizontalement et verticalement dans l’espace.

Les lignes géométriques s’étendent et se croisent, introduisant ordre, rythme et proportion. Au fur et à mesure que la composition se développe, elle définit des parcours et crée des hiérarchies spatiales, favorisant la fluidité et s’adaptant à différents besoins. Elle ne s’impose jamais ; elle accompagne l’architecture.

Selon Levy, la modularité concerne uniquement la connexion entre des éléments similaires, tandis que la flexibilité est la capacité de réaliser de nombreuses choses différentes simultanément. Nexum peut être configurée selon différentes géométries — Lineal, Rectangular, Square et Volumetric — en s’adaptant aux proportions de chaque environnement sans perdre sa cohérence formelle.

Au sein de cette structure, la lumière est comprise comme un outil de construction de l’espace ; un langage capable de générer une perception, de façonner les émotions et de définir l’expérience spatiale. Les points lumineux sont discrètement intégrés à la géométrie de Nexum, faisant partie du système sans en interrompre la continuité.

Levy souligne l’importance de proposer un éclairage subtil et équilibré qui évite les ombres et les contrastes excessifs. Plus que des effets graphiques, Nexum apporte profondeur et volume.

La lumière n’est plus concentrée en un seul point mais répartie uniformément, créant des atmosphères spacieuses, cohérentes et confortables. La collection possède cette capacité particulière de créer une aura plutôt qu’un effet. Cette approche permet d’éclairer depuis une position élevée tout en conservant une présence discrète qui s’intègre naturellement à l’espace.

Disponible en versions suspension et plafonnier, Nexum s’adapte aussi bien aux environnements résidentiels qu’aux grands projets contract, tout en conservant une logique constante : s’intégrer à son contexte architectural et créer des atmosphères équilibrées et harmonieuses.

Dans l’atrium d’un hôtel ou d’un restaurant à grande hauteur sous plafond, elle amplifie le sentiment de présence des utilisateurs. Dans des environnements résidentiels plus compacts, la version plafonnier au profil ultra-fin offre un éclairage efficace sans compromettre l’espace disponible. Installée au-dessus d’une table, elle crée une atmosphère calme qui favorise une relation intime entre l’utilisateur et son environnement.

Nexum n’est pas un objet, mais un système. Elle n’envahit pas l’espace ; elle le met en mouvement. Quel que soit le contexte, sa géométrie lumineuse relie les scènes, organise les espaces et définit des environnements sereins et cohérents. La lumière devient partie intégrante de la structure spatiale : un récit continu et harmonieux qui suit le rythme de la vie quotidienne.

Les projets de Pitsou Kedem incarnent sa manière de vivre : une quête perpétuelle de lumière, de silence et de matière. Depuis son agence fondée en 2000, il développe une vision du minimalisme à la fois profonde et expressive, où la richesse des matériaux dialogue avec le respect du contexte et une volonté affirmée d’organiser le chaos. Ses bâtiments invitent à la pause et apaisent les sens. Au cours de cet entretien, il a évoqué ce qui l’émeut, ce qui l’inspire, les principes qui fondent son travail et les rituels qui rythment son quotidien. À travers son double regard de photographe et d’architecte, nous avons découvert une façon de voir et d’appréhender la lumière comme une matière à part entière, un élément structurant qui façonne la réalité et en révèle la profondeur.

Tout a basculé le jour où Pitsou Kedem a découvert le monument érigé par le sculpteur Danny Karavan dans le désert du Néguev. Son amour pour l’architecture est né dans cette sculpture habitable en béton, dont les formes dessinent, à l’intérieur, d’impressionnants jeux d’ombre et de lumière.

Dans tous ses bâtiments, Pitsou Kedem laisse la matière respirer. Il en va de même pour ses pensées. C’est pourquoi il a toujours un livre dans son sac. Chaque jour, il s’efforce de trouver un moment pour s’asseoir dans un café et se plonger dans la lecture. Cette immersion dans d’autres vies l’aide à déconnecter, à faire le vide et à aiguiser son attention au monde.

L’artiste James Turrell et sa façon d’aborder la lumière et l’espace ont aidé Pitsou Kedem à concilier deux facettes de sa personnalité : le besoin d’ordre et la recherche de chaleur. C’est à l’Israel Museum qu’il découvre son œuvre pour la première fois, avec Space that sees, une sculpture environnementale ouverte sur le ciel, qui invite à une contemplation méditative du mouvement des nuages et de la lumière traversant et baignant l’espace. Dans ses projets, Pitsou Kedem cherche à retrouver cette sobriété dans l’usage des matériaux et des formes, capable de susciter à la fois l’émotion et la réflexion.

Ce qu’il a ressenti en contemplant l’œuvre de James Turrell, il le retrouve chaque fois qu’il revient vers la nature, sa plus grande source d’inspiration. Lors de ses ascensions dans les fjords norvégiens, il laisse ses pensées dériver dans le silence, tandis que la lumière « peint sur la toile vierge qu’est le paysage ». De retour à l’agence, il transpose ces sensations dans ses projets : des espaces qui ne s’imposent pas et laissent s’exprimer ceux qui les habitent.

Une conviction guide son travail : la lumière est à l’espace ce que la matière première est à une structure. Elle permet de construire et de donner forme. Au sein de l’agence, chaque bâtiment est abordé comme une occasion de faire entrer la lumière, d’apporter du sens, de raviver les textures et de souligner les volumes. Pour Pitsou Kedem, l’architecture est « l’expérience humaine dans l’espace », et la lumière l’alliée de cette expérience, qu’elle enrichit. C’est pourquoi la scène du film The Brutalist, dans laquelle l’architecte montre, à l’aide d’une lampe torche, comment la lumière viendra frapper le bâtiment, lui semble condenser en une minute ses 25 années de carrière.

Son langage est fait de dichotomies, de tensions, d’équilibres finement résolus. Il sait que sans obscurité, il n’est pas de lumière ; que seule la conscience de leur coexistence rend cette dernière plus précieuse encore. Au sein de son agence, il cultive un minimalisme qui n’est ni neutre ni froid : il est émouvant, expressif, enrichi par le contraste entre lumière et ombre, entre couleurs et textures. S’il ne devait donner qu’un seul conseil à un jeune architecte, il dirait : « Trouve ton langage et reste-lui fidèle jusqu’au bout. Même au milieu du tumulte. Même si d’autres te disent que c’est extrême, que c’est excessif. Crois en ta vérité architecturale. »

Dans une profession souvent dominée par l’ego, Pitsou Kedem avance à contre-courant. Il aime s’entourer de personnes qui valorisent le partage car, pour lui, le travail en équipe est essentiel pour faire émerger cette créativité qui naît du dialogue et de la rencontre. De la même manière que, dans un espace, l’émotion naît du dialogue entre lumière et matière.

Pitsou Kedem se définit ainsi : « Je ne suis pas un architecte qui fait aussi des photos. Je suis un photographe qui construit. » Cette manière de regarder le monde – et l’architecture – à travers l’objectif, qui fut à l’origine de son parcours, continue d’habiter son travail. Et il ne s’agit pas seulement du regard, mais de tout le processus qui précède et qui suit l’instant du déclenchement. L’attente au fil de laquelle l’élément observé se révèle sous l’effet de la lumière qui vient frapper le bâtiment juste avant la prise de vue, de celle qui pénètre le négatif et s’y imprime, des produits chimiques qui font peu à peu apparaître l’image dans la chambre noire. C’est en adoptant l’attitude du photographe qu’il conçoit le bâtiment : lentement, en le laissant se révéler de lui-même.

Le retour au foyer est toujours empreint d’une certaine poésie que l’on ne trouve pas dans le départ. Partir est excitant, certes, mais de l’Odyssée au Voyage de Chihiro, les grandes épopées nous ont enseigné que de rentrer chez soi est le plus humain des désirs. Nous le savons ; nous le sentons après chaque journée. C’est pourquoi il est fondamental de bien concevoir cet espace que nous appelons foyer. L’architecture, les matériaux et l’éclairage doivent être pensés soigneusement afin que nous nous sentions à l’abri.

Ce principe devient capital lorsqu’il s’agit de la chambre à coucher. C’est le seul espace de la maison où l’agitation n’a pas sa place. Ici nous nous abandonnons à la lecture, à la contemplation, à la réflexion et nous passons du jour à la nuit, du sommeil à l’état de veille, de l’activité au repos. La lumière nous guide dans cette transition, elle la rend plus agréable. La bonne conception de l’éclairage, dans tous les espaces d’une maison, mais surtout dans celui-ci, transcende son usage et prend soin de notre sensibilité : il contribue à faire baisser nos tensions, à détendre notre corps, à nous accompagner avec bienveillance vers la fin de la journée jusqu’à ce que nous sombrions dans un sommeil profond.

Cette lumière doit être chaleureuse, éthérée et enveloppante, son rôle est de se fondre dans l’environnement sans imposer de hiérarchie visuelle. Elle doit être à l’image du luminaire Flamingo Mini de Vibia, du designer Antoni Arola, qui parvient à abolir la limite entre l’éclairage et l’espace. Ce modèle est idéal par sa création qui est une performance de légèreté. La source de lumière LED est séparée par de multiples diffuseurs translucides, ainsi, elle se projette sur l’abat-jour plutôt que d’encercler la source lumineuse. L’effet est onirique. La lumière se déconstruit et, en se déconstruisant, elle se compose. Elle accompagne et veille d’une manière discrète et délicate sur ce voyage vers la fin de la journée.

Dans la chambre de cette maison, conçue par le studio 5 Sólidos et inspirée du minimalisme japonais, l’éclairage des luminaires de la collection Flamingo Mini dialogue avec l’architecture, les matériaux et le paysage extérieur afin d’obtenir cet effet voulu de refuge protecteur. En projetant la lumière sur les diffuseurs – privilégiant ainsi le reflet face à l’éclat – il crée de l’ombre, une délicate pénombre qui adoucit l’espace et instaure une atmosphère sereine. Suspendus de part et d’autre du lit, ils illuminent subtilement le béton et le bois, enrichissant le jeu des textures.

Flamingo Mini est également une étude d’adaptation et de considération pour notre état d’esprit. Son design concentré s’intègre harmonieusement aux proportions de la pièce, et la modularité de ses diffuseurs, qui permet d’ajuster leur nombre et leur taille, lui permet de s’adapter aux goûts et aux envies de chacun. Sa présence est raffinée, avec une touche de mystère parfaite pour se recueillir dans son univers intérieur. Sa silhouette équilibrée, fruit d’un jeu subtil entre d’élégants plans horizontaux et de fines lignes verticales, apporte une sensation d’équilibre à nos émotions.

Tout au long de la journée, son éclairage diffus ponctue les rythmes et les étapes du jour, en harmonie avec à la lumière naturelle qui pénètre par la grande baie vitrée de la chambre à coucher conçue par 5 Sólidos, une vue magnifique sur la nature sauvage qui entoure cette maison située aux abords de Medellín. Pendant les heures ensoleillées, Flamingo Mini fournit un éclairage général, qui devient plus ambiant et concentré à mesure que le soleil disparaît pour laisser place à la nuit. Ainsi, ce luminaire agit comme une extension naturelle de l’architecture : une présence silencieuse qui respire au même rythme que l’espace et ses habitants.

Dans un univers aussi intime que la chambre à coucher, la lumière de Flamingo Mini marque les temps du repos, elle nous entoure d’un silence chaleureux, nous invite au calme, au vagabondage de nos pensées : elle transforme le rituel du coucher en une source de bien-être. Elle y parvient car, comme il sied à un éclairage soigné, elle opère dans l’univers de la subtilité, et de la délicatesse. Elle nous rappelle à la lumière primitive, le feu, mais aussi à la poésie la plus raffinée. Grâce au design d’Antoni Arola, la lumière se déconstruit et, avec elle, nous nous laissons déconstruire : nous nous allégeons de nos préoccupations jusqu’à entrer dans le monde des rêves, nous nous sentons en sécurité au sein de notre chambre à coucher.

Crédits :
– Project by 5 Sólidos
– Photographie by 5 Sólidos

Nous nous sommes entretenus avec le designer britannique, qui a évoqué pour nous ses centres d’intérêt, au-delà de l’éclairage et de l’architecture, et ce qui nourrit son processus créatif.

Umut Yamac est essentiellement connu pour ses luminaires, qui conjuguent une approche très architecturale et rigoureuse et une dimension plus poétique, artistique et délicate. Dépassant la simple fonctionnalité, ses lampes s’imposent comme de véritables sculptures de lumière. Array, la collection de luminaires suspendus conçue pour Vibia — leur première collaboration —, en est un parfait exemple. Composé de fins fils tissés à la main, tendus entre deux anneaux en aluminium, chaque luminaire semble envelopper la lumière, associant une douce lumière zénithale et un éclairage dirigé vers le haut. Le résultat : des lampes subtiles et légères, mais aussi spectaculaires et polyvalentes, présentant de beaux volumes suspendus de forme conique ou cylindrique. Nous avons échangé avec Umut Yamac sur sa manière de travailler, ses souvenirs, ses passions et ses centres d’intérêt. À travers ce guide, Yamac nous invite à découvrir les lieux, les objets et les expériences qui nourrissent sa créativité.

Umut nourrit deux grandes passions : la nature et le voyage. Il n’évoque pas un lieu ou une destination précise, mais deux sources d’inspiration, qui se reflètent dans son travail et constituent le socle de sa démarche créative. « Je passe une grande partie de la journée à promener mon chien dans les marais, près de l’atelier, et ce par tous les temps. J’apprécie ces pauses obligées au cours de la journée de travail. J’ai découvert que cette forme de présence tangible, au grand air, peut aider une idée latente à mûrir et à prendre forme. Cela peut aussi permettre de faire surgir des solutions face à une difficulté », explique-t-il. Le voyage — le fait de se retrouver dans un environnement où les gens, la langue et le contexte ne lui sont pas familiers — lui apporte aussi de grandes satisfactions : « Sortir du quotidien et de ma zone de confort me rend plus observateur et plus réceptif à la différence. »

« James Turrell est probablement l’artiste qui m’a le plus influencé. Je l’ai découvert au début de ma carrière. Sa capacité à gérer et à contrôler les ouvertures et les interstices ne donne pas seulement lieu à de fascinantes expérimentations scientifiques : elle révèle aussi l’extraordinaire pouvoir de la lumière et nous permet d’en mesurer toute la magie. » Le designer admire tout particulièrement les œuvres que Turrell a réalisées durant ce que l’on appelle sa période Mendota quand, dans les années 1960, il avait loué l’hôtel Mendota de Santa Monica pour y installer son atelier. C’est là que, pendant plusieurs années, il a mené des expériences autour de l’espace, en modifiant l’architecture du lieu et la manière dont la lumière y pénétrait.

« Quand je choisis des matériaux et des textures, je cherche toujours la chaleur et la profondeur. Chaleur en termes de qualité de lumière, de toucher, mais aussi de familiarité. Et profondeur non seulement physique, mais aussi conceptuelle, et liée à l’idée de superposition. L’une des propriétés les plus fascinantes de la lumière, c’est sa capacité à pénétrer les matériaux, à les charger de luminance, tout en révélant leurs qualités sculpturales », explique le designer. Pour lui, l’art est un élément fondamental du design. Ses créations mettent l’accent sur l’interaction entre l’objet et l’utilisateur et font la part belle aux détails et aux sensations. À travers son travail, Yamac explore des concepts comme la tension, le chromatisme, le volume, le mouvement, et bien d’autres choses encore.

C’est à la radio qu’il découvre de nouveaux artistes, surtout sur BBC 6 Music, dans les émissions de Gilles Peterson, Iggy Pop, Guy Garvey et Lauren Laverne. Mais comme tout amateur de mélancolie, il revient toujours à Nick Cave et à PJ Harvey. « Ce sentiment m’est particulièrement utile pendant le processus de fabrication des composants ou des prototypes. Même si cela n’empêche pas un peu de Sabrina Carpenter de temps en temps ! », ajoute-t-il en riant.

Depuis l’adolescence, le Southbank Centre de Londres occupe une place importante dans sa vie. Tout a commencé par le skate, les espaces souterrains ayant été investis par les skateurs dans les années 1970. « Quand j’étais étudiant, j’ai commencé à explorer les autres équipements du centre : le cinéma, la galerie, le théâtre et la salle de concert. Outre son emplacement exceptionnel au bord de la Tamise, j’apprécie son ouverture et son esprit d’inclusion qui, pour moi, incarnent l’essence même de Londres », explique-t-il.

Umut Yamac est un grand amateur de cuisine asiatique et de plats mexicains épicés, mais il affectionne particulièrement la cuisine indonésienne, qui lui rappelle de merveilleux souvenirs de son enfance dans le nord de Londres, auprès de ses amis et de sa famille.

Il collectionne les livres mais aussi les petits jeux d’équilibre et les jouets mécaniques. Il apprécie particulièrement les jouets en bois ou en métal qui tiennent dans la poche. « Ils fonctionnent selon les principes de la physique, mais de façon à procurer de la joie quand on les manipule, ce à quoi j’aspire dans mes créations », explique-t-il. En effet, sa pratique allie art, ingénierie et narration, donnant ainsi naissance à des créations à la fois fonctionnelles, chargées d’émotions et dotées d’un certain caractère ludique.

« Je pense que la gentillesse et la franchise sont souvent négligées ou sous-estimées. Ces qualités sont pourtant essentielles pour collaborer avec succès. Par ailleurs, une concentration exceptionnelle et une grande attention aux détails sont indispensables pour intégrer mon atelier », conclut-il.

Ce sont les petits gestes — une promenade quotidienne, écouter de la musique ou collectionner les jeux d’équilibre — qui captent l’attention d’Umut Yamac et façonnent son approche singulière du design : une démarche expérimentale, attachée à la proximité et teintée de poésie. Ainsi, ce sont les choses simples du quotidien qui nourrissent sa créativité et sa sensibilité particulière, à l’origine de merveilleux luminaires, qui sont aussi de véritables œuvres d’art.

Chacun de ces objectifs exprime la motivation et le désir de donner le meilleur de soi, dans sa vie personnelle comme au sein des équipes Vibia. Il est important d’avoir des ambitions communes, de vouloir continuer à apprendre ensemble et à s’enthousiasmer pour chaque nouveau projet professionnel. Mais il est aussi essentiel de s’accorder du temps libre et de savourer les moments personnels qui font du bien. La motivation réside dans l’équilibre entre les deux et, à l’aube d’une nouvelle année, on a plus que jamais envie d’être heureux.

Nous ne pouvions pas clôturer cette année sans évoquer les temps forts de Vibia et les articles les plus lus, publiés sur notre blog The Edit. C’est là que nous partageons avec vous toute l’actualité de la marque, au travers d’histoires qui parlent de lumière depuis différentes perspectives : nouvelles collections, solutions d’éclairage, projets réels, événements corporatifs, contenus plus analytiques, etc.

Notre ambition : transformer les espaces et améliorer la vie de chacun en créant des atmosphères uniques et confortables, au moyen de la lumière, du design et de la technologie. Dans les différentes rubriques de The Edit, nous entendons montrer comment cette ambition prend forme.

À l’heure des bilans, nous avons choisi de mettre en lumière les articles les plus lus de chaque catégorie, mais aussi les moments particulièrement marquants, où les luminaires Vibia ont été partie prenante d’expériences culturelles et artistiques, renforçant ainsi le lien de la marque avec la création et l’expression visuelle, dans des domaines aussi variés qu’inspirants.

Lors de l’édition 2025 d’Euroluce, à Milan, Vibia a présenté une installation sensorielle immersive signée Francesc Rifé, qui donnait vie à sa réflexion conceptuelle sur l’art de façonner des atmosphères (Shaping Atmospheres). La lumière y révélait sa capacité à éveiller les sens et à transformer l’espace au moyen d’une infinité de solutions flexibles.

Pour la rénovation des bureaux du studio de design multidisciplinaire Il Magma, en Italie, le choix s’est porté sur la collection Plusminus. La grande polyvalence de ce système d’éclairage s’est révélée idéale pour imaginer ce nouvel espace de travail partagé et multifonctionnel, aux exigences à la fois esthétiques et fonctionnelles, qui nécessitait un éclairage sur mesure et créatif.

Conçue par Martín Azúa, la collection Bind est un parfait exemple de flexibilité en matière d’éclairage. Offrant une grande liberté de composition pour tous les projets exigeant des espaces modulables et dynamiques, elle permet d’associer éclairage d’accent et éclairage diffus, mais aussi de créer des plans horizontaux à différentes hauteurs, générant ainsi des effets lumineux et esthétiques particulièrement impactants.

Parmi les articles plus analytiques, on retrouve ceux qui soulignent le rôle prépondérant de la lumière, en particulier durant les mois d’hiver. Les journées raccourcissent, le rythme de vie se fait moins trépidant et les espaces intérieurs plus intimistes, soulignant la nécessité de repenser l’éclairage des différents moments du quotidien pour favoriser un bien-être physique et émotionnel et créer des intérieurs plus chaleureux et accueillants.

La présence de Vibia au sein du pavillon italien de la Biennale de Venise a été, pour la marque, l’un des moments les plus marquants de l’année 2025. Les luminaires Vibia sublimaient l’identité architecturale des Tese delle Vergini, bâtiment historique du XVIᵉ siècle, et accompagnaient le visiteur dans son parcours à travers l’exposition, avec des jeux de clair-obscur prononcés et des effets théâtraux vecteurs de sensations.

Grâce à ce langage qui transcende les mots, la collection Array a su créer l’osmose entre musique, architecture et émotions. Une expérience que les spectateurs des concerts du pianiste Hugo Oliveira ont pu vivre à l’espace Coletivo 284, à Lisbonne, immergés dans une atmosphère poétique et enveloppante, unique en son genre.

Tous ces contenus démontrent que la lumière accueille, façonne et conditionne notre bien-être, que ce soit dans un bureau, lors d’un concert, au sein d’une exposition ou dans l’intimité de notre domicile. C’est ce compagnonnage précieux que nous souhaitons continuer à promouvoir sur The Edit, avec des articles inspirants, qui pourront aider à transformer vos espaces de vie grâce à l’éclairage.

Chaque période de l’année redéfinit nos habitudes, et la lumière naturelle, qui suit les rythmes circadiens tout au long de la journée, exerce une influence décisive. Dans ce parcours sensoriel, le corps et l’esprit se synchronisent avec leur environnement, générant un bien-être physique et émotionnel. À l’arrivée de l’automne, les jours raccourcissent et les nuits s’allongent ; l’absence de lumière naturelle invite à une vie plus introspective tournée vers l’intérieur des espaces, impliquant une redefinition de l’éclairage et, avec elle, une nouvelle façon de vivre les moments quotidiens.

L’architecture et le design accompagnent cette transition, qui représente à la fois la recherche d’espaces comme refuges personnels et un ralentissement du temps vécu à un autre rythme. C’est là que le pouvoir de la lumière dans l’intimité entre en jeu, offrant une chaleur qui contraste avec les basses températures extérieures et embrasse chaque rituel, apportant un nouveau bien-être, plus confortable et accueillant.

Ouvrir un livre à la tombée du jour, préparer une infusion, se détendre sur le canapé ou s’asseoir autour de la table pour discuter : autant de petits gestes quotidiens qui se transforment, vécus avec un esprit différent, baignés d’une lumière douce, complice et proche, qui non seulement éclaire, mais accompagne.

Ces espaces de la maison deviennent des refuges du temps, libérant les souvenirs et permettant à la lumière de se présenter comme une gardienne de la mémoire. Les luminaires deviennent de véritables objets de désir autour desquels s’articulent les sensations que l’automne révèle. Le confort et le bien-être se recherchent plus que jamais à l’intérieur, et l’éclairage est le seul à pouvoir nous aider à les trouver… et à les savourer.

Des collections telles que Knit, conçue par Meike Harde, à la texture magnétique, favorisent le plaisir de sentir la chaleur de la lumière et de la garder près de soi, adoucissant sa luminosité grâce à un diffuseur translucide qui invite à l’intimité. La présence sereine de ses versions suspension, lampadaire et lampe de table enveloppe la pièce pour la transformer en un véritable lieu de bien-être.

La collection Plusminus, dans ses versions sphère et cône, propose un éclairage chaleureux, diffus à 360° ou dirigé, idéal pour les espaces domestiques où la vie s’articule pendant les mois plus froids.

Conçue par Diez Office, elle offre également une grande polyvalence, permettant d’adapter chaque luminaire aux besoins de chaque projet.

La collection Skan, dessinée par Lievore Altherr Molina, incarne le design intemporel. Ses lignes élégantes redéfinissent la simplicité lumineuse.

Sa projection chaude sur les surfaces agit comme un bain de lumière, apportant une sensibilité intime et pure à l’atmosphère.

À cette époque de l’année, des objets du quotidien tels que les luminaires prennent une fonction qui va au-delà de l’éclairage pour devenir compagnons et témoins de nouveaux rituels. Des moments d’intimité silencieux qui nous relient à l’essentiel et se savourent davantage, sans bruit ni hâte, toujours enveloppés dans la beauté lumineuse de ces collections.

Produits présentés:
– Knit
– Plusminus
– Skan